Nel corso della mia professione ho avuto l’opportunità e l’interesse ad approfondire ed integrare altre discipline come la grafica e la fotografia. L’integrazione di più forme e discipline espressive, oltre a soddisfare il piacere della ricerca (…), mi ha permesso di approfondire e ravvivare il mio percorso creativo e artistico.

Successivamente mi sono avvicinato alla pittura perché la consideravo un altro mezzo affine e in continuità anche con la mia professione. Un nuovo mezzo, una nuova ricerca, solo in parte collegata alla mia esperienza professionale, ma che si è rivelata in breve tempo come una forma di espressione privilegiata. Alcune discipline artistiche hanno chiare possibilità di interagire tra loro. La pittura ha il sopravvento. Quella che consideravo una nuova esperienza da includere ed integrare nelle precedenti, si è rilevata una ripartenza dal grado zero.

Ho iniziato un nuovo percorso di ricerca, una nuova forma espressiva, dove inevitabilmente il punto di partenza erano le mie esperienze di scenografo e grafico, ma adattate al nuovo mezzo. Ho così lavorato per quasi dieci anni per trovare una mia personale forma espressiva e una tecnica che mi fosse congeniale.

Ho scelto la tecnica delle campiture piatte, a favore di una superficie asettica, levigata: un effetto che, sebbene raggiungibile con varie tecniche di applicazione indiretta (ad esempio la pittura a spray, la serigrafia o il collage), ho voluto ottenere con l’utilizzo dei pennelli.
 
Questa tecnica coincide con il mio obbiettivo espressivo, una pittura poco incline alla prospettiva, in cui le ombre sono riassunte in campiture e la profondità dell’immagine emerge dall’accostamento di campi monocromi. Ho eliminato le linee di contorno, per definire le campiture solo attraverso la mascheratura.

Il metodo di lavorazione cloisonné degli smalti applicati sui metalli, da cui parte la mia ricerca, ha una linea di contorno (un filo anch’esso di metallo) che racchiude le aree da riempire uniformemente col colore e mantiene il disegno della linea a separare le sue campiture (generando un effetto simile a quello delle vetrate delle cattedrali).
 
Questa una scelta apparentemente solo stilistica, ma che in realtà racchiude una delle idee formative che sono emerse nel corso delle sperimentazioni e che insieme alla tinta rigorosamente piatta caratterizza il mio lavoro: il rigore e l’attenzione al dettaglio, una pittura che diventa minimalista, rigorosa, precisa, lenta. Una pulizia vibrante e una sottrazione di tutto ciò che potrebbe non essere necessario per individuare l’immagine. Come nei ricordi, le immagini della nostra memoria si assottigliano, perdono definizione, colore, forma.

Utilizzo il colore acrilico fine e lo smalto acrilico satinato perché tendono, per le loro caratteristiche, a rendere fluida l’immagine, un effetto di luce annebbiata e lontana.

Così anche i miei treni e i miei tram, che sono da subito i protagonisti della mia pittura, ho voluto e voglio raccontarli nel “ricordo” e nello stesso tempo renderli protagonisti di un racconto nel tempo. Sono frammenti di narrazioni che furono complete ma di cui si è perso l’incipit e l’epilogo, singoli fotogrammi di una pellicola, racconti che si fermano in una sospensione temporale che è riflessione e nostalgia insieme. Ne nasce un mondo silenzioso, che parla senza voce.

I miei treni e i miei tram diventano ritratti dei protagonisti, interpreti di una storia raffigurante un momento nel tempo. Lo spettatore aggiunge la narrazione.

Infine, il bisogno di un ritorno alla manualità è stato un altro stimolo di partenza di questa mia ricerca. La materia, il toccare. Far ritornare le mani protagoniste del mio lavoro e insieme la necessità di riflettere su ogni mia azione, sull’irreversibilità che un semplice gesto spesso porta in sé.